Gabriel Faure (1845-1924) › Requiem v. 1893

«Mon requiem a été composé pour rien… pour le plaisir si j’ose dire… j’ai cherché à sortir du convenu… une délivrance heureuse, une aspiration au bonheur d’au-delà, plutôt que comme un passage douloureux»… ne vous attendez pourtant pas à sourire à l’écoute de ce disque, si ce n’est face à la grâce plus légère du complément de programme : «Messes des pêcheurs…». Certes le très célèbre requiem de Fauré, et surtout ici restauré dans sa partition originale pour effectif restreint, ne se veut jamais dramatique ou tragique, mais sa beauté grave et son profond recueillement relèvent bien des ténèbres. L’éclat de cuivres qui ouvre les hostilités disparaît aussitôt, comme le souvenir d’un cauchemar à l’instant du réveil… mais c’était bien un cauchemar, et l’on se réveille en pleine nuit. Du silence vient le chœur, doucement, retenu à l’extrême, et quelques cordes profondes au développement ralenti et inexorable enfoncent le clou de la noirceur… l’introït de Fauré n’a rien d’une délivrance, bien au contraire, il assure l’emprisonnement immédiat de l’auditeur, au cœur des ombres à venir. Des mélodies lentes et tempérées, mais aux harmonies intenses, chœur qui se déploie, se dédouble, des cuivres soudains, en lignes tendues, et un ensemble de cordes qui a refusé les aigus des violons pour ne démarrer qu’au crépuscule des altos, jusqu’à la nuit des contrebasses. On doit incontestablement au choix de Philippe Herreweghe d’en revenir à la partition authentique, et de la servir par son ensemble de musique contemporaine «Musique oblique» l’expression de toute la science et la finesse de cette partition résolument inscrite dans le XXième siècle. L’ouverture de l’offertoire retrouve dans son dépouillement et son rythme lâche et ambigu une dissonance et une étrangeté qui préfigurent la nuit schönbergienne. Il s’agit d’une musique toute en voiles et tissus, hors solistes aucune saillie ne la précise ; elle se constitue et se consolide par le jeu des plans instrumentaux et vocaux ; les cordes, vagues lentes et sombres, les cuivres (Cors et trombones…) qui incisent le propos par accès décalés, les strates du chœur dont les lignes se croisent, se mêlent et se poussent vers une clarté voulue, mais seulement esquissée. Cette partition n’est rien d’autre qu’un jeu d’ombres et de lueurs… et encore une fois, cette version seule nous le révèle aussi radicalement. La simplicité de cette formation retrouvée et tranchée (pas de violons, sinon soliste, pas de baryton, sinon soliste, ce qui crée par l’opposition franche Ténors/basses du chœur une ampleur d’espace saisissante, merveilleusement et logiquement habitée par le soliste) alliée au modernisme du choix de direction, lent mais très tendu, retrouve l’abstraction intrinsèque que le romantisme du grand orchestre avait fini de dénaturer. Une autre vision de la mort, apaisée, oui, et souvent tournée vers le ciel, comme ce Sanctus angevin, où à l’instar du baryton du Libera me, le violon soliste est porté par sa solitude. Ombres et lueurs, encore une fois… avec ses gouffres noirs, et ses longues vagues tranquilles qui respirent sous la lune. Fauré l’a bien compris : il n’est pas besoin d’une horde de faucheuses pour voir la mort de près. Il en suffit d’une seule.