Olivier Messiaen (1908-1992) › Turangalîla-Symphonie

Enorme ! Cette symphonie est énorme ! Par la durée, par la profusion sonore inouïe qui s'en dégage, par l'extrême complexité de son orchestration alliée à l'extrême simplicité de son expression. Ondes Martenot, piano, percussions multiples, orchestre gigantesque : c'est une débauche, une orgie instrumentale, une des plus impressionnantes que je connaisse. Tout est là : le monde entier à nos pieds, que nous regardons du haut de cette chaîne de montagnes (10 mouvements...) : spiritualité, amour, effroi, joie - ces sentiments sont déclinés ici avec tellement d'aplomb, de force, qu'il serait vain de lutter pour s'y soustraire. Olivier Messiaen aimait à se dire "compositeur théologique", toute son oeuvre étant tournée vers le divin. Ce qualificatif le rapprocherait d'ailleurs de Bach et de Bruckner. Ici, nous entendons une déclaration d'amour à Dieu qui ne connaît pas de limitation culturelle ou religieuse : c'est une oeuvre sacrée universelle, un hymne de joie qui transfigure tout ce qu'il touche. Dès l' "Introduction", des glissandi d'ondes Martenot (qui trouvent décidément dans cette oeuvre un moyen d'expression inégalé) ouvrent la voie à l'effroyable et monumental "thème-statue" (le terme est de Messiaen lui-même) ; et ce à trois reprises. Puis c'est la cavalcade effrénée, la course à l'abîme, qui mène à une derniére répétition de ce thème. Dans les deux chants d'amour, ainsi que dans le bien nommé "développement de l'amour", la joie de la présence divine est souvent exprimée comme une médaille à deux faces : l'une apaisée et tranquille, l'autre pleine d'exubérance, d'assourdissantes explosions. Cette incessante frénésie, qui caractérise si bien cette oeuvre, perpétuelle bousculade entre les deux instruments solistes et l'orchestre, se retrouve aussi dans "Joie du sang des étoiles", une danse du soleil rayonnante, innocente aussi, où les rythmiques d'une sauvagerie inouïe président à l'enchaînement des thèmes ; le souffle se perd. De même, dans un "Final" explosif, un thème festif est introduit, puis à nouveau le thème d'amour, qui écrase le thème-statue par ses martèlements irrésistibles. La partie la plus sombre de l'oeuvre est réservée aux trois mouvements "Turangalîla", courts mais essentiels. Dans le premier, un motif est énoncé doucement à la clarinette puis aux ondes Martenot. Suite à quoi une effroyable et métronomique toccata se met en place avec des trombones grondants. Puis, après un bref retour à la douceur, c'est une énorme escalade contrapuntique de ces deux thèmes imbriqués qui éclate. Dantesque. "Turangalîla 2" est un fantôme des mouvements précédents, débutant avec le piano seul, elle n'est ensuite que violence atonale. "Turangalîla 3", déclinaison du motif de "Turangalîla 1" est plus onirique : une sorte de nocturne hypnotique qui va en s'amplifiant. Quant à "Jardin du sommeil", c'est le seul véritable long moment de calme et de répit, d'un charme envoûtant et apaisant. J'ai employé beaucoup de d'adjectifs tout au long de cette chronique : aucun n'est assez fort pour décrire l'urgence de ce chef-d'oeuvre (composé entre 1946 et 1948), pendant monumental de l'intimiste mais non moins essentiel "Quatuor pour la fin du temps" ; urgence également qu'il y a à le découvrir : l'escalade de ce gigantesque édifice est sans doute la meilleure entrée possible dans l'univers du compositeur français.