Henry Purcell (1659-1695) › Music for a while / O solitude

Ce recueil de chansons de l’anglais Henry Purcell est un délice d’élégance et de mélancolie. 14 pièces, profondes et graves, simples, dans lesquelles le grand Henry exprime cette patte mélodique si particulière (incarnée notamment dans le fameux air du froid extrait du «King Arthur», repris par Klaus Nomi) et qui marqua fondamentalement l’expression musicale anglaise. Le Haendel de la célèbre «Sarabande», de fait, lui doit tout. «The plaint», qui ouvre cette heure de solitude recueillie, est un modèle du genre. La basse de viole, lente, calme et sombre, installe l’espace sonore… on est dans la gravité absolue… puis le clavecin résout son premier accord, peut entrer alors le timbre ici très ambiguë d’Alfred Deller. Bien que régulièrement secouées des complexités rythmiques et mélodiques virtuoses propres au langage baroque, les compositions recherchent la pondération, une lenteur imposante, affectée, assumée par la voix plaintive et inquiétante de la viole. Le clavecin et ses ponctuations d’accords développés vient autant attendrir qu’assombrir le propos. Attendrir par sa légèreté, son caractère mélodique et galant, assombrir par ses lenteurs soudaines, ses pointes d'austérités, mais aussi cette merveilleuse et courte résonance propre à l’instrument, et par laquelle se fabriquent de curieuses et fugitives rencontres harmoniques, comme des arrières pensées. La voix, enfin, instrument roi de ces compositions pour contre-ténor, focalise tout le génie mélodique de Purcell, dansant sur les octaves, allant chercher la petite note, l’infime inflexion, où s’attardant avec sévérité dans les registres graves, étirée et vibrante, pour mieux pleurer. Le choix d’Alfred Deller face aux Andreas Scholl, Gérard Lesne et autres virtuoses modernes, tous héritiers du maître, réside dans cette humanité par laquelle l’anglais savait si bien compenser ses lacunes techniques d’autodidacte. La voix n’est pas toujours parfaitement fluide, mais elle en devient justement profondément investie. Le timbre se cherche dans les accès virtuoses, mais il se trouve alors par l’engagement soudain, la dynamique habitée du chanteur, là où la plupart des poulains d’aujourd’hui dominent le sujet technique, et en oublie la douleur nécessaire à l’exécution de ces chants. La tristesse est parfois nue et entière, exprimée dans les passages les plus lents et tendus. Elle est aussi souvent diffusée au travers des habitudes et règles de compositions de l’époque. Derrière les joliesses baroques on perçoit la douleur, le sourire est mélancolique. Ce disque est un sommet pour les connaisseurs, et une porte d’entrée idéale pour les profanes. La dimension courte des pièces, la sobriété de l’instrumentation et l’évidence des mélodies de Purcell rendent cette musique à la fois représentative d’une époque, et ouverte à la notre. Au XVIIème siècle, en Angleterre, il fallait savoir se lamenter avec élégance et courtoisie.